Hunt Slonem

14.03.2025 – 16.04.2025
Eternal Spring | Hunt Slonem´s World of Color

Hunt Slonem wurde 1951 in Kittery, Maine geboren. Nachdem er sein Studium an der Tulane University of Louisiana mit dem Bachelor of Arts abgeschlossen hatte, studierte er Malerei an der Skowhegan School of Painting and Sculpture in New York. Zahlreiche Stipendien, unter anderem das National Endowment for the Arts Grant in Painting (1991), wurden ihm verliehen.

Mit seinen Arbeiten ist er weltweit in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten. Sicherlich ist Hunt Slonem mittlerweile eine der schillerndsten und spannendsten Figuren der New Yorker Kunstszene. Besonders in der amerikanischen Film- und Musikbranche finden sich viele berühmte Persönlichkeiten, die seine phantasievolle und expressive Kunst für sich entdeckt haben.

Seine Werke waren bereits in zahlreichen internationalen Einzelausstellungen zu sehen. In den USA wird der New Yorker Maler exklusiv von der berühmten Marlborough Gallery vertreten. Und auch an wichtigen Kunst-Projekten wie „Art in Embassies“ hat Hunt Slonem bereits erfolgreich mitgewirkt. Über fünfzig Museen weltweit beherbergen seine Bilder in ihren Sammlungen, unter ihnen das Metropolitan Museum of Art, das Whitney Museum, das Guggenheim Museum und das New Museum of Contemporary Art in New York. Zudem ist er in Sammlungen, wie der American Telephone and Telegraph, Chase Manhattan Bank, Citibank, Continental Airlines, Goldman Sachs & Co., IBM Corporation, Marriot Corporation, Paine Webber Inc. und Readers Digest Inc. vertreten.

Ausgehend von der Faszination für Exotica, die Hunt Slonem während seiner Kindheit auf Hawaii und eines Aufenthaltes als Austauschstudent in Managua, Nicaragua entdeckte, pflegt der Künstler seit 1973 inmitten der Metropole New York die Beschäftigung mit der tropischen Flora und Fauna. In seinen farbgewaltigen Werken finden sich Vögel, Schmetterlinge oder Blüten in serieller Reihung. Besonders die verschiedenen Vogelarten erscheinen als immer wiederkehrendes Hauptmotiv, als Sinnbilder einer Spiritualität, die sich schon im Frühwerk des Künstlers wiederfindet.

Es entstehen figurative Bilder auf strukturierten Hintergründen, die an Tapetenmuster erinnern. Mit leuchtender Farbigkeit vereinen sich hier Expression und Gegenständlichkeit.

Galerie Barbara von Stechow
Feldbergstraße 28
60323 Frankfurt am Main

T. +49 69 72 22 44

Di – Fr 11–18 Uhr
Sa 11–16 Uhr
So – Mo geschlossen

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Thomas Böing

07.03.2025 – 12.04.2025
Ort und Zeit
Galerie Hübner & Hübner

Galerie Hübner & Hübner
Grüneburgweg 71
60323 Frankfurt am Main

T. +49 69 72 12 81

Di–Fr 14–19 Uhr
Sa 10–14 Uhr
u.n.V.

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Chiyoko Tanaka

01.03.2025 – 05.04.2025
Fabrics
Galerie Friedrich Müller: Japan Art

In der Ausstellung präsentieren wir Textilarbeiten der in Kyoto ansässigen Künstlerin Chiyoko Tanaka (*1941) aus den Jahren 1984 bis 2024.

Chiyoko Tanaka ist Weberin und versteht ihre Arbeit als Teil eines Kontinuums, welches die Tradition gewebter Seidenstoffe in Kyoto spiegelt. Im Mittelpunkt steht für sie der Prozess des Webens, der in der Ansammlung der Webfäden das Vergehen von Zeit symbolisiert. Den fertig gewebten Stoff legt Tanaka auf den Boden und reibt diesen immer und immer wieder mit verschiedenen Hilfsmitteln wie einem Backstein oder einem weißen Stein ab. Dieses Verfahren beschreibt sie als „Schleifen“. Ein zusätzlicher Farbeffekt wird durch die Verwendung bestimmter Erden oder Kohle erzeugt.

Galerie Friedrich Müller: Japan Art
Braubachstraße 9
60311 Frankfurt am Main

T. +49 69 282839

Di–Fr 10–13 und 14-18 Uhr
Sa 10–14 Uhr
u.n.V.

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Wolfgang Stahr

01.03.2025 – 05.04.2025
Sentiment index
Galerie–Peter–Sillem

„Viele von Wolfgang Stahrs Stadtaufnahmen sind der Malerei näher als der Fotografie, einige erinnern mit den großen Flächen und den genau gesetzten Farbakzenten an Farbfeldmalerei, viele an die Gemälde de Chiricos und Edward Hoppers: das surreale, frühe Licht weht einen Zauber in die Straßen.“  — Niklas Maak

Wolfgang Stahr zog 2020, zu Beginn der Pandemie, gewissermaßen antizyklisch aus Berlin nach Frankfurt. Mit dem wachen und scharfen Blick des Neuankömmlings erkundete er in langen Streifzügen die Stadt, die sich in seinen Fotografien zumeist menschenleer zeigt. Entstanden ist eine beeindruckende Vielfalt aus Straßenszenen, Stadtraum- und Architekturbeobachtungen, die der Stadt den Puls fühlen und uns vermeintlich Vertrautes in einem ganz anderen Licht sehen lassen.

Wolfgang Stahr, geb. 1969, wuchs in München auf, absolvierte sein Studium an der Fachhochschule Bielefeld und lebte und arbeitete über zwei Jahrzehnte in Berlin. Sein fotografischer Schwerpunkt liegt auf Porträts, Interieurs und der Beziehung zwischen Menschen und Orten. Seine Fotografien erscheinen regelmäßig in internationalen Magazinen. Wolfgang Stahrs künstlerische Arbeit wurden in Galerien und Institutionen ausgestellt und u.a. mit dem Grand Prix Européen de la Ville de Vevey ausgezeichnet.

Galerie–Peter–Sillem
Dreieichstraße 2
60594 Frankfurt am Main

Tel. 069/61 99 55 50

Mi, Fr 10–16 Uhr
Do 10–18 Uhr
Sa 14–16 Uhr u.n.V.

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Stefan Müller

01.03.2025 – 05.04.2025
Linke Füße
Galerie Bärbel Grässlin

In seiner Ausstellung „Linke Fü.e“ zeigt Stefan Müller mit schnippischer Selbstironie Bilder, die vordergründig direkt und leicht wirken. Dabei bewirken überlagernde Farbschichtaufträge eine vielschichtige Plastizität des Malgrundes, die Spuren der einstigen Malschicht und Vergangenheit eines Bildes durchschimmern und erahnen lassen. Im Layering entsteht für Stefan Müller auch ein entscheidender Schritt in Richtung figürlicher Annäherungen, die im neuen Kontext auf dem Malgrund durch Raster oder der Verwendung etwaiger „Hilfsmittel“ wie Schablonen oder Klebeband die malerische Fläche strukturieren und durch Fehler in der Übertragung neue malerische Dimensionen öffnen. Im Bild „Kommando Schöner Wohnen“(2024) etwa, ist der Raum innerhalb des Bildes derart frei konstruiert, dass die verschiedenen gegenständlichen Elemente im Raum in unabhängiger Koexistenz zueinander stehen: Die Pflanze wächst auch außerhalb ihres Topfes weiter und beginnt ein bestimmtes Eigenleben, das arrangierte Stillleben muss sich gegen überlagernde Kreise behaupten.
Zwischen überlagernder Malschichten und Annäherungen an figürliche und gegenständliche Setzungen, manifestiert sich seine malerische Herangehensweise als innere Haltung und drückt sich als Habitus der größtmöglichen Freiheit und der gleichzeitigen Notwendigkeit in seiner Kunst aus, indem er seinen Bildern immer wieder neu gegenübertritt.

Stefan Müller schloss sein Studium 2001 an der Städelschule Frankfurt bei Prof. Thomas Bayrle ab und ist seit 2006 im Programm der Galerie Bärbel Grässlin vertreten. Er lebt und arbeitet in Berlin.

Galerie Bärbel Grässlin
Schäfergasse 46 B
60313 Frankfurt

Di–Fr 10–18 Uhr
Sa 10–14 Uhr

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COLOURSCAPE

14.02.2025 – 21.03.2025
Arvid Boecker, Maria Seitz
Galerie Monica Ruppert

Die neue Ausstellung der Galerie Monica Ruppert COLOURSCAPE präsentiert Werke von Maria Seitz und Arvid Boecker. Damit rückt sie zwei Positionen in den Blick, die mit minimalistischen Mitteln farbenreiche und rythmische Kompositionen schaffen.

Maria Seitz ist Zeichnerin, taucht aber gelegentlich aus der Zweidimensionaliität des Papiers auf und kreiert Rauminstallationen. Stets aber beschäftigen sie repetitive Muster. Wie schon der amerikanischen Künstlerin Agnes Martin vor ihr gelingt es Maria Seitz mit einfachen Formen, die sich in einer endlosen Wiederholung über ganze Blätter ausbreiten, Werke zu schaffen, die die Betrachter zunächst mit ihrer Ruhe überwältigen. Hat man sich auf die entspannende Ausstrahlung dann eingelassen, beginnen die Werke bei näherer Betrachtung eine weitere Eben zu offenbaren, die trotz der Wiederholungsstriche stark von Rhythmus geprägt ist. In der Ausstellung “Colourscape” werden neue Arbeiten von ihr zu sehen sein, die sich noch stärker als bisher einem Verweben der Linien verschreiben.

Eine ähnliche Sogwirkung gehen von den Malereien Arvid Boeckers aus. Seit vier Dekaden schon ist er der nicht-gegenständlichen Farbflächenmalerei treu, wobei er sich einer breiten Palette an Mitteln bedient: Acryl und Ölfarbe werden bisweilen mit Silikon und Wachs gemischt. Seit einigen Jahren arbeitet er mit einem konstanten Format von 80x60cm. “Diese Konstante hilft mir, die Bilder für mich vergleichbar zu machen und unterstützt das intuitive Arbeiten. Die Begrenzung des Formats eröffnet mir große Freiheit im Experiment. Jedes Bild beginnt mit einer horizontalen Linie, die die Fläche in zwei gleich große Teile teilt – eine einfache Struktur, die den Malprozess rahmt, aber nicht bestimmt.”

Seine Bilder sind, wie er außerdem betont, farbig aber nicht bunt. Und es ist der Haptik dieser Farbigkeit, die niemals glatt ist, geschuldet, dass die Werke von Boecker unterstützt von der symmetrischen Aufteilung die Betrachter an sich ziehen und in ein Gespräch verwickeln.

Auch bei Maria Seitz ist der Prozess des Schaffens voller Entdeckungen, ist der Prozess selbst nicht nur Mittel zum Zweck, sondern Zweck zur Verfeinerung der Mittel.

Zur Ausstellungseröffnung wird es einen Artist Talk mit den zwei Künstler:innen und Adrian Giacomelli geben.

Über die Künstlerinnen: Maria Seitz, geboren 1989, studierte Freie Kunst an der Hochschule der Bildenden Künste Saar. Sie lebt und arbeitet in Köln.
Arvid Boecker, geboren 1964, studierte erst Kunstgeschichte in Trier und anschließend an der Hochschule der Bildenden Künste Saar. Er lebt und arbeitet in Heidelberg.

Text: Adrian Giacomelli

Galerie Monica Ruppert
Bleichstr. 48
60313 Frankfurt am Main

T. +49 171 18 36 462
T. +49 69 219 329 88

Do–Fr 15–19 Uhr
Sa 12–15 Uhr u.n.V.

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Thomas Wrede

06.02.2025 – 19.04.2025
Weiss war der schnee
Bernhard knaus

Die Galerie Bernhard Knaus Fine Art präsentiert ihre erste Einzelausstellung mit Werken aus dem Glacier Project von Thomas Wrede. In seinem fotografischen Œuvre lotet Wrede die faszinierende Grenze zwischen Inszenierung und Wirklichkeit aus, wobei Landschaften als zentrales Sujet fungieren. Seine Werke ergründen sowohl vorgefundene als auch eigens kreierte Konstruktionen in der Natur, stets im Spannungsfeld zwischen Authentizität und Artifizialität.

Bereits Wredes frühere Werkgruppen thematisieren Umwelt, Naturkatastrophen und menschliche Spuren in der Landschaft, was zu einer einzigartigen Bildästhetik zwischen surrealer Verfremdung, kritischer Dokumentation und apokalyptischer Fiktion führt. Seine spektakulären Landschaftsauf¬nahmen der alpinen Gletscher spiegeln dabei auf erschreckend bildliche Weise den fortschreitenden Klimawandel und seine Folgen wider und sind damit aktueller denn je.

Während die Serie Real Landscapes sich durch gezielte Inszenierungen mit Miniaturmodellen in natürlichen Umgebungen auszeichnet, in denen der Künstler bewusst mit der Perspektive spielt und eine Spannung zwischen Realität und Fiktion erzeugt, verschmelzen bei den Gletscherfotografien natürliche Landschaften mit menschlichen Eingriffen.

Wredes Glacier Project, das 2017 mit Aufnahmen des Schweizer Rhonegletschers begann, umfasst großformatige Panoramen sowie Außen- und Innenansichten der Gletscherhöhlen. Es basiert auf dem Konzept der verpackten Landschaft. Um das rapide Abschmelzen der Gletscher zu verlangsamen, werden große Eisflächen – temporär oder auch dauerhaft – mit Vlies abgedeckt. Detailaufnahmen zeigen die verwitterten Abdeckungen, die Geröll und schmutzigen Schnee freilegen. Die morbide Ästhetik der Falten, die gewählten Ausschnitte und die vielfältigen Grautöne ergeben einzigartige malerische Motive. Diese Aufnahmen erinnern an Wredes frühe Serie Samsö aus den 1990er Jahren, in der Plastikfolien auf einer dänischen Insel in atmosphärischen Schwarzweiß-Aufnahmen eine beklemmende Schönheit entfalten.

Im Kontrast zur maroden "Außenhaut" steht das faszinierende Farben- und Lichtspiel der jahrhundertealten Eisschichten im Inneren. Die Vliesabdeckungen scheinen durch das dünner werdende Eis und brechen teilweise in die Höhle ein, wodurch Außen und Innen, Natürliches und Künstliches verschmelzen.

In der neueren Arbeiten Blutschnee erkundet Wrede ein faszinierendes Naturphänomen am Presena-Gletscher in Südtirol. Die rosarot schimmernden Algen im Tauwasser verwandeln den Schnee in abstrakte, fast surreale Farbkompositionen, die die fragile Schönheit, Vergänglichkeit und klimatische Transformation der alpinen Landschaft eindringlich visualisieren.

Der Titel WEISS WAR DER SCHNEE unserer Ausstellung deutet auf eine verlorene Reinheit hin, evoziert eine elegische Meditation über die einst unberührte alpine Landschaft. Er changiert zwischen melancholischer Reminiszenz und zeitdiagnostischer Klage, indem er die jungfräuliche Reinheit des Schnees als Metapher für eine unwiederbringlich verlorene Ursprünglichkeit heraufbeschwört und symbolisiert so Vergänglichkeit und Wandel in Wredes Gletscherfotografien.

Wredes Ziel ist keine dokumentarische Erfassung der Gletscherveränderungen, sondern vielmehr die Verwendung der Fotografie als anschauliches Denken. Seine künstlerische Auseinandersetzung mit den Gletschern resultiert in verstörend schönen Bildern, die zwischen Idylle und Katastrophe, Inszenierung und Wirklichkeit oszillieren.

Als engagierter Künstler setzt Wrede das Glacier Project fort und besteigt weitere Gletscher, um die bedrohte Schönheit und Fragilität des Eises festzuhalten: „Ich will Bilder zwischen Dokumentation und subjektivem Sehen finden, die die Spuren der Klimakrise und die rapiden Veränderungen mitten in Europa sichtbar werden lassen. (2018)“. Seine Werke finden sich in renommierten Sammlungen weltweit. Zudem war er an der Klima Biennale im Museum für Angewandte Kunst in Wien (2021) sowie an der Ausstellung Weather Engines im Onassis Stegi in Athen (2022) beteiligt.

Bernhard Knaus
Niddastr. 84
60329 Frankfurt am Main

T. +49 2445 0768

Di–Fr 13–18 Uhr
Sa 11–15 Uhr
u.nV.

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frogsky

31.01.2025 – 15.03.2025
felix becker
Galerie Heike Strelow

Eröffnung am Freitag, 31. Januar 2025, 19 Uhr

Eine Archäologie der Malerei

„What gets in the way, for me, is not so much the presence of figuration but the sense that one should look for it.“ (Jonathan Griffin, Frieze, 2024)

Felix Beckers jüngste Arbeiten tragen eine leise Konnotation in sich: von vagen Erinnerungen, Momente, die eher sensorisch, sinnlich heraufbeschworen werden durch Düfte und taktiles Erleben. Zugleich umkreisen die 18 neuen Gemälde und Skulpturen, allesamt im Jahr 2024 entstanden, malerische Phänomene, deren Wurzeln tief in die Kulturgeschichte des Mediums greifen. In deren Unterbewusstsein liegt eine unscheinbare Fotografie verborgen – eine Aufnahme aus dem Jahr 1992, die einen Blick aus dem Fenster in den Himmel zeigt. Dieses vermeintlich unauffällige Bild entpuppt sich als subtiles Leitmotiv, das Beckers malerische Explorationen durchzieht. Ein überraschender Ausgangspunkt, bedenkt man, dass sein Œuvre in erster Linie der abstrahierenden Materialität verpflichtet ist.

Mit Leon Battista Albertis bedeutenden Traktat von 1435, welches das Fenster als una finestra aperta zur zentralen Metapher der Malerei erhob, wurde der Blick durch das Fenster gleichsam zum Blick in die Welt. Diese tradierte Analogie, die ihren Höhepunkt wohl in der Trompe-l’œil-Malerei findet, repräsentiert eine Seite des malerischen Spektrums. Auf der anderen Seite steht die Abstraktion – der radikale Verzicht auf Figuration. In dieser Spannung zwischen Gegenständlichkeit und deren Negation entfaltet sich Beckers Praxis.

Seine bisherigen Arbeiten zeichnen sich durch eine beinahe makellos glatte, fast abweisende Oberfläche aus, deren Schichten aus Ölfarbe sich wie eine schimmernde Versiegelung über die naturbelassene Leinwand legen. Ihre changierenden Töne erinnern an die verführerische Tiefe der Ölmalerei alter Meister und entziehen sich trotz der minimalistischen Präsenz zugleich der Rationalität der Farbfeldmalerei oder kontrastreichen Hard-Edge-Malerei. Doch ein bestimmter Impuls durchzieht Beckers jüngstes Werk in neuer Eindeutigkeit: die Einführung figurativer Elemente, die seine malerische Sprache differenziert erweitern.

Mit 16 neuen Gemälden und zwei plastischen Arbeiten befragt der in Frankfurt geborene Künstler die fragile Beziehung zwischen Abstraktion und Figuration. Dabei kommen zentrale Spannungsfelder der Malerei zur Sprache: Wann erhebt sich Material zum Bildgegenstand? Wie interagieren sich Haptik und Sinnlichkeit in einem der ältesten künstlerischen Medien? Diese selbstreflexiven Fragen markieren Beckers Werk und manifestieren sich in landschaftlichen Phänomenen, die in seiner charakteristischen Handschrift verhandelt werden. Einritzungen, Kurven und Linien treten stärker hervor als zuvor und legen das Palimpsest darunterliegender Schichten frei. Beckers Malerei offenbart sich als Prozess, als fortwährende Überlagerung und Durchdringung – ein Wechselspiel von Opazität und Durchlässigkeit.

In Ohne Titel (Canopy) erstreckt sich ein steiler Bogen über eine 152 x 252 cm große Leinwand, getaucht in sanftes Blaugrau. Ein Hauch von Rot schimmert in den Tiefen der Malschicht, während die Form, entstanden durch die haptischen Spuren von Spachtelbewegungen, wie ein Gleitschirm über den Horizont segelt. Die glatte, mit körperlicher Anstrengung erzeugte Ölschicht wird durch subtile Eingriffe durchbrochen, die Beckers minimalistischen Zugang zur Materialität bezeugen. Ebenso reduziert, aber nicht minder suggestiv, wirkt Ohne Titel (Trails): Von Azurblau bis blassem Rosa erstreckt sich die samtige Oberfläche, durchkreuzt von drei Linien, die an Kondensstreifen am Himmel erinnern. In Ohne Titel (Trails 2), dem visuellen Gegenstück, wird dieses Thema erneut aufgegriffen und variiert, was den Arbeiten eine dialogische Geschlossenheit verleiht. Beinahe jedes der 16 Gemälde findet in einem proportionalen und visuellen Gegenstück sein Pendant. Ein unterschwelliges Dialogspiel, dass der Serie eine innere Kohärenz und rhythmische Harmonie verleiht. Werke wie Ohne Titel beschwören durch monochrome Farbgebung und glatte Texturen das Gefühl eines wolkenlosen Himmels, dagegen stellt Ohne Titel (Moon), eine skulpturale, halbkugelförmige Arbeit zwischen Shaped Canvas und Objekt, in hellem Gelb die Ansammlung von Ölfarbe selbst in den Vordergrund.

Von himmlischen Sphären wendet sich Becker irdischen Phänomenen zu. In Ohne Titel (Race Spectators) bilden organische Linien ein dichtes Geflecht, das von der Abstraktion ausgehend an topografische Karten anmutet. Auch wenn gilt, “the map is not the territory” (Alfred Korzybski, A Non-Aristotelian System and Its Necessity for Rigour in Mathematics and Physics, 1931), so evoziert die malvefarbige Oberfläche zugleich die Bildatmosphäre einer abendlichen Wüstenlandschaft, in deren „Tälern“ sich die blaue Ölfarbe wie Flüsse durchzieht. Dabei liegt Becker mit diesen händisch eingezogenen Rillen die Motivik der genialen Künstlerhand gänzlich fern. Ein sonst gängiger Moment, um die physische Präsenz des Autors im Werk zu verankern.

Statt expressiver Gesten sind es präzise Einschnitte, die die Materialität der Oberfläche betonen. Diese kalkulierte Setzung spiegelt sich auch in Werken wie Ohne Titel (Shoal 5) wider, wenn eine kühle, hellblaue Fläche mit kleinen Einkerbungen übersät ist, ehe sie sich nach oben perspektivisch verdichten und an Wasserbewegungen oder Kratzspuren im Eis erinnern. In Ohne Titel (Air) scheint dagegen die Hitze flimmernder Luft förmlich greifbar. Wellenartige Linien prägen die blaugraue Farboberfläche und lassen den roten Untergrund erahnen, während Ohne Titel (Shoal 4) mit dunklem Lila und Nachtblau die Tiefe einer nächtlichen Landschaft beschwört: Kurze, fast skulpturale Bewegungen durch malerische Materie enthüllen darunterliegende grüne Schichten, die an eine Wiese oder Glühwürmchen denken lässt. Ebenso ruhig wiegen sich die Linien in der hochformatigen Arbeit Ohne Titel (Reed) gegeneinander, wie Schilfgräser im Wind. Wie eine Pfauenfeder schimmern die violetten, blauen und grünen Töne im Licht, wandeln sich je nach Perspektive.  

Die Werke changieren zwischen Farben und Form, Abstraktion und Figuration. Sie fordern eine Neuausrichtung des Blicks, ein Aushalten des Ungenauen, ein Verweilen im Schwebezustand. Becker lädt dazu ein, die Erwartungshaltungen an die Malerei zu hinterfragen: Wie viel Figuration suchen wir in der Abstraktion, und warum sehnen wir uns danach? Dieses Wechselspiel, dieses oszillierende Spannungsverhältnis wird zur Einladung, sich der Malerei als Prozess zu nähern – vorsichtig, fast tastend, wie einer Erinnerung, die sich nur langsam entfaltet.

Das Foto aus dem Jahr 1992, kaum verblasst, zeigt das Kinderzimmer im Gegenlicht eines sonnigen Tages. Auf der Fensterscheibe klebt eine kleine Figur aus Pappe und Transparentpapier – ein Frosch am Himmel. Frogsky.

Galerie Heike Strelow
Lange Straße 31
60311 Frankfurt am Main

Tel. +49 69 48 00 54 40

Mo, Mi–Fr 12–18 Uhr
Sa 12–15 Uhr u.n.V.

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ausgewählte werke

29.01.2025 – 22.02.2025
Hideaki Yamanobe, YU-ICHi (Inoue Yûichi), Masamichi Yoshikawa
Galerie Friedrich Müller – Japan Art

Galerie Friedrich Müller – Japan Art
Braubachstraße 9
60311 Frankfurt am Main

T. +49 69 282839

Di–Fr 10–13 und 14-18 Uhr
Sa 10–14 Uhr
u.n.V.

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Out of Chaos

25.01.2025 – 15.03.2025
John Sanborn
Galerie Anita Beckers

The Anita Beckers Gallery is pleased to present the first solo show by American artist John Sanborn in a German gallery.

The exhibition comprises three bodies of work that illustrate Sanborn’s interest in new technology addressing socio- political issues: Identity, Community and Gender as well as our everyday struggle to structure the shattered surrounding into narratives that underlie our existence. John Sanborn is one of the protagonists of American video art. His work was recently shown in a major retrospective at the ZKM in Karlsruhe (Between Order and Entropy, 2022), organized by the late Peter Weibel. The Anita Beckers Gallery is based in Frankfurt am Main (GER) and is one of the few galleries in Germany, which has been focusing on video art and moving image since the 1990s.

In cooperation with the DFF-Deutsches Filminsitut Frankfurt, we will be showing a selection of John Sanborn’s film work there on Sunday, 26.01.25. at 1 pm, which the artist himself will present.

Parallel to the exhibition, a compilation of the first iteration of the work Out of Chaos will be presented as part of the House of Galleries event, which takes place for the first time from 24.1.-26.1.25 in the Trianon high-rise in Frankfurt city center and presents contemporary art from 29 galleries from Frankfurt and Germany.

Anita Beckers
Braubachstr. 9
60311 Frankfurt am Main

T. +49-069-92101972

Di–Fr 11–18 Uhr
Sa 12–17 Uhr
u.n.V.

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choreographies of the ordinary

24.01.2025 – 22.02.2025
adelina sadrijaj
Galerie Hübner & Hübner

Galerie Hübner & Hübner
Grüneburgweg 71
60323 Frankfurt am Main

T. +49 69 72 12 81

Di–Fr 14–19 Uhr
Sa 10–14 Uhr
u.n.V.

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becoming

24.01.2025 – 22.02.2025
ofobuike okudoh
Galerie Hübner & Hübner

Galerie Hübner & Hübner
Grüneburgweg 71
60323 Frankfurt am Main

T. +49 69 72 12 81

Di–Fr 14–19 Uhr
Sa 10–14 Uhr
u.n.V.

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Inside-out/outside-in

18.01.2025 – 22.02.2025
Götz Diergarten
Galerie–Peter–Sillem

Götz Diergartens Interesse für Glas, das er als semitransparenten Filter und als gestalterisches Element einsetzt, entwickelte sich im Rahmen eines Projekts von Wilhelm Opatz und des Deutschen Werkbundes, bei dem Diergarten Frankfurter Kirchenarchitektur fotografierte. Während dieser Arbeit entdeckte er die ästhetische Vielfalt von Glas – ob Riffel-, Ornament- oder Drahtglas oder auch Glasbausteine – und dessen Fähigkeit, Licht zu brechen und die Realität auf abstrakte Weise zu transformieren. Später fand er — weiterhin in Frankfurt — vergleichbare Strukturelemente u..a. in den Wohnsiedlungen des Neuen Frankfurt, die in den 1920er Jahren unter der Leitung von Ernst May entstanden waren. 

Die so entstandenen Fotografien bewegen sich an der Grenze zwischen Konkretem und Abstraktem. Je nach Blickrichtung, Lichtstimmung und Hintergrund entstehen amorphe Farbflächen, die vertraute Motive in einen neuen Kontext setzen, während Straßen, Bäume oder architektonische Details in den Hintergrund treten. Götz Diergartens Fensterbilder erinnern an digitale Effekte wie Raster, Pixel oder Verzerrungen und führen damit einen Dialog zwischen moderner Bildsprache und traditioneller Fotografie.

Götz Diergarten (*1972) studierte von 1993 bis 1998 Freie Kunst/künstlerische Fotografie an der Kunstakademie Düsseldorf bei Professor Bernd Becher sowie an der Hochschule für Gestaltung Zürich. Seit Veröffentlichung seines ersten Buches Ravenoville(2001) wurden seine ‘Fotobilder’ auch international in zahlreichen Museen, Galerien und großen Kunstmessen ausgestellt.
Götz Diergarten ist Mitglied der Deutschen Gesellschaft für Photographie (DGPh) und des Werkbundes Hessen, Vorsitzender und Gründungsmitglied des internationalen Fotografennetzwerkes Piece of Cake und hat an diversen Kunsthochschulen, als Dozent an der shift school of photography und in China unterrichtet.
Götz Diergarten lebt und arbeitet in Frankfurt am Main und Volxheim in Rheinhessen.

Galerie–Peter–Sillem
Dreieichstraße 2
60594 Frankfurt am Main

Tel. 069/61 99 55 50

Mi, Fr 10–16 Uhr
Do 10–18 Uhr
Sa 14–16 Uhr u.n.V.

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Academy square

18.01.2025 – 07.02.2025
STUDIERENDE DER KUNSTAKADEMIE KARLSRUHE
Galerie Monica Ruppert

Die Zukunft ist jetzt: Eine Sonderausstellung von Studierenden der Staatlichen Akademie der Künste Karlsruhe macht die Galerie Monica Ruppert in Frankfurt jetzt wieder einmal zu einem Ort junger und jüngster Positionen der Gegenwartskunst. Eine Ausstellung mit viel Potential für Entdeckungen – voller Originalität und Innovation.

Die Ausstellung „Academy Square“ präsentiert die vielfältigen künstlerischen Positionen von Studierenden der Kunstakademie Karlsruhe. Mit einem breiten Spektrum künstlerischer Medien wie interaktive Installation, Bildhauerei, Fotografie, Kinetik und Performance spiegelt die Schau die experimentelle und dynamische Arbeitsweise der jungen Kunstschaffenden wider.

Die Teilnehmenden – Kian Bartels, Eleonora Beierle, Ruben Brückel, Emily Ebner, Marlene Hütter, Lena Kitzbihler, Felicitas Kunisch, Lucia Mattes, Paul F. Millet, Rebecca Müller, Jessica Reiter, Malte Römer, Robin Schön, Julian Schreiner, Tammo Thomas, Lara Thürnau, William Töpfer, Melina Unterhauser und Felix Wagner – treten in einen Dialog, der die Vielfalt künstlerischer Praktiken sichtbar macht und aktuelle Fragestellungen der zeitgenössischen Kunst und Onlinekultur beleuchtet.

„Academy Square“ versteht sich als eine Plattform für aufstrebende Talente, die in der Galerie Monica Ruppert ihre Werke erstmals einem breiten Publikum in Frankfurt vorstellen. Die Ausstellung lädt dazu ein, neue Perspektiven der Kunst von morgen zu entdecken.

Diese Ausstellung sagt: Es liegt etwas in der Luft. Diese junge Kunst ist engagiert, stellt Fragen. Und gibt Antworten. Vielleicht ist sie bald in den größten Museen, auf den wichtigsten Biennalen zu sehen. „Academy Square“ versteht sich als innovatives Terrain, als Ort des Versuchs, des Experiments, als dringlicher Ausdruck der Gegenwart, als Seismograf und Echolot, das Jetzt ertastend und ausleuchtend. 

Mit was beschäftigt sich die junge, die jüngste Kunst heute? Die Ausstellung zeigt es: Feste Formen des künstlerischen Ausdrucks haben sich verflüchtigt. Vor dem Hintergrund neuer technologischer Entwicklungen wie Augmented Reality und KI erschaffen die Künstlerinnen und Künstler der Ausstellung Arbeiten, welche immer wieder auf den Zustand unserer Gesellschaft fokussieren.

Kunst sucht den Austausch, sucht den Dialog, hinterfragt die Rolle des Künstlers in der Gesellschaft. Wechselwirkungen zwischen der virtuellen Welt und der physischen Realität sind heute ein prominentes Thema, auch Themen der Ökologie und Nachhaltigkeit.

Und auch der Körper drängt in die Kunst zurück: Identitäts- und Geschlechterpolitik sind ein wichtiges Sujet der jungen Kunst – genauso wie Fragen um Individuum und Kollektiv oder Globalisierung und Multikulturalität. Kunst fragt heute nach den Möglichkeiten sozialer Innovation, spiegelt die Gesellschaft kritisch – auf hochkomplexe aber auch ästhetisch überraschende Weise. All das führt jetzt die Ausstellung „Academy Square“ überaus spannend vor Augen.

Text: Marc Peschke

Galerie Monica Ruppert
Bleichstr. 48
60313 Frankfurt am Main

T. +49 171 18 36 462
T. +49 69 219 329 88

Do–Fr 15–19 Uhr
Sa 12–15 Uhr u.n.V.

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behold it was good

18.01.2025 – 01.03.2025
Tessa Wolkersdorfer
Galerie Greulich

Behold it was good – die neue Einzelausstellung der Nürnberger Künstlerin Tessa Wolkersdorfer, eröffnet am 17. Januar und läuft bis zum 01. März.

Halte fest was gut ist: Momentaufnahmen, collagenhaft zusammengefügte Bildelemente, Möbelstücke, grelle Schriftzüge in Neon, Himmelansichten, Berglandschaften, Palmen und Sonnenuntergänge vermengen sich zu einem Ganzen. 
Moodboards, Vision Boards, die abgespeicherten Posts auf Pinterest und Instagram überträgt Tessa Wolkersdorfer in die Malerei. Das romantisch verklärte Bild des Künstlers von der Natur erfährt eine Renaissance durch die Künstlerin in der Natur. Nur dass die Künstlerin nicht mehr allein und isoliert dort ist und ihre Umgebung anders sieht, durch den Social Media Blick sieht. Deswegen überlappen sich auch Erinnerungen. 

Inventar taucht an Stellen auf, an denen es nicht hingehört. Größere und kleinere Bilder werden übereinandergelegt, nebeneinandergesetzt, übermalt, angedeutet. Sie sind durchlässig. Sie sind Platzhalter für Erinnerungen, die jeder Rezipient und jede Rezipientin nachvollziehen kann. Wolkersdorfer lädt mit ihrer Malerei ein, nach nostalgischen Momenten zu träumen. Die Bilder erwecken den Wunsch nach Ruhe und nach Ordnung, sie lösen natürliche Sehnsüchte aus. Und im Kontrast dazu steht gegenwärtig das geordnete Chaos im Bild. Ein Chaos, das längst zum Alltag dazugehört. 

Über all dem steht die Frage nach der Realität. Was ist echt, was retuschiert, was fantasiert, was generiert. Die Grenzen haben sich längst aufgelöst, so auch in der Malerei. Tessa Wolkersdorfer Malereien sind Mosaikstücke des Kitschs, der kunsthistorischen Referenzen auf die Romantik und des Individuellen. Es ist ein Ausbalancieren und Tangieren eines Lebens zwischen digitaler und analoger Welt. Manchmal hilft da nur ein Ausflug ins Grüne, der standardgemäß mit einem Selfie festgehalten werden muss: ich war hier, es war gut, ich muss es festhalten. 

„behold it was good“ – für wen halte ich etwas eigentlich fest, für mich oder für andere? Die Künstlerin hält mit ihrer Malerei jedenfalls ein zeitgenössisches Phänomen fest, sich hin und hergerissen zu fühlen, der Wunsch nach dem Naturellen, der Drang und Hang zum Inszenierten. Die Malereien, ein Einblick in ein malerisches Fotoalbum, das uns träumen lässt.

Galerie Greulich
Fahrgasse 22
60311 Frankfurt am Main

T. 069 680 961 29
m. 0172 102 507 3

Mi–Fr 13–19 Uhr
Sa 11–14 Uhr

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Kolben pilze politics

18.01.2025 – 22.02.2025
Andreas breunig
Galerie Bärbel Grässlin

Die Galerie Bärbel Grässlin startet in das neue Jahr mit der Ausstellung „Kolben Pilze Politics“ mit neuen Arbeiten von Andreas Breunig. In seiner dritten Einzelausstellung in der Galerie Bärbel Grässlin zeigt er neben seinen malerischen Serien, den „Protest Paintings / Miller-Urey Paintings“ und „Prediction / Analysis“, die Collagen-Serie „field studies (networks)“.

„Kolben Pilze Politics“ veranschaulicht auf inhaltlicher Ebene die Untersuchung, wie Informationen generiert, geformt, entwickelt und ausgetauscht werden, insbesondere im Kontext wissenschaftlicher Erkenntnisse und ihrer Auswirkungen auf die Gesellschaft.

Die Ausstellung zeigt drei Bilder im quadratischen Format der „Protest Paintings / Miller-Urey Paintings“. Das Miller-Urey Experiment von 1953 gab entscheidende Hinweise auf die Entstehung von Leben aus nicht-lebenden chemischen Verbindungen und deutet darauf hin, dass sich die Grundbausteine des Lebens unter spontanen Umständen bilden können. Andreas Breunig verschiebt das chemische Ereignis zum sozialen Phänomen des Protests. Auf formaler Ebene simuliert die Bildfläche die geschwungene Form eines Versuchskolben, wobei die äußeren Ränder unbemalt bleiben und sich die malerischen Prozesse innerhalb dieser Form zwischen Chaos und Ordnung abspielen: Skizzierte, organische Verzerrungen, Knäuel und durchscheinende Kritzeleien, farbige und unregelmäßige Setzungen. Die Folge von Aktion und Re-Aktion verbindet die verschiedenen Deutungsebenen der „Protest Paintings / Miller-Urey Paintings“. Die Energie, die lebendige Moleküle oder Akte des Protests erzeugt, entspricht den eruptiven Setzungen und Bewegungen der Farbe.

Die Bilder der Serie „Prediction / Analysis“ zeigen breite Kanäle und Bahnen, die auf einen langsamen Fluss deuten, der in den Hohlräumen, Schlaufen und Windungen des malerischen Systems verarbeitet wird. In der Reduktion der Farben bezieht Andreas Breunig Stellung gegen den heutigen Exzess unendlich verfügbarer Informationen.

Dass Datenerzeugung, Informationsaustausch und die Zersetzung von Inhalten den reflexiven Kern von Andreas Breunigs künstlerischen Untersuchungen bilden, lässt sich auch anhand der Collagen-Serie „field studies (networks)“ nachvollziehen. Aus der Beschäftigung mit komplexen Prozessen im digitalen Zeitalter wuchs die Faszination für die Naturwissenschaften.

Die Umrisse erscheinen leicht und skizzenhaft, sind aber deutlich akzentuiert. Ihr Aufbau resultiert aus den Überlagerungen von Linien, sie erinnern an Zellkammern oder, angesichts der hinzucollagierten Fotos aus biologischen Bestimmungsbüchern, an Pilze. Breunigs „field studies“ zeigen ihn als Forscher, der die spezifischen Bedingungen eines Systems beobachtet und dokumentiert. So sind die grafischen Permutationen keine bloßen Metaphern für natürliche Prozesse, sondern fungieren als visuelle Übersetzungen verborgener gesellschaftlicher Interaktionen – und schließen damit zeitgenössische Malerei und Politik kurz.

Galerie Bärbel Grässlin
Schäfergasse 46 B
60313 Frankfurt

Di–Fr 10–18 Uhr
Sa 10–14 Uhr

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Cut by Cut

17.01.2025 – 01.03.2025
Dorthe Goeden & Philipp Hennevogl
Galerie Maurer

Dorthe Goeden untersucht in ihrer künstlerischen Arbeit Wahrnehmungs- und Erinnerungsprozesse. Dabei interessiert sie der Blick auf Alltägliches, Flüchtiges und Beiläufiges ebenso wie die Relationalität von natürlich gewachsenen und kulturell entwickelten Strukturen. Grundlegendes gestalterisches Element ist die Linie, die sie vom grafischen Gedanken der Zweidimensionalität löst und so die Grenzen von Bild, Objekt und Raum hinterfragt. Zeichnerisch hält sie Fragmente ihrer unmittelbaren Umgebung fest, reduziert diese auf wenige Linien, löst einzelne Bruchstücke aus ihrem Kontext heraus. Daraus beginnt sie einen Neuaufbau. Es entstehen komplexe Arbeiten, die das Verhältnis von Anwesendem und Abwesendem, von chaotischem Geschehen und ordnenden Strukturen thematisieren und die Körperlichkeit einer Skulptur annehmen können. Reduktion und Rhythmisierung werden bildbestimmend. Im Rahmen von Wiederholungsprozessen interessieren sie die Möglichkeiten und gedanklichen Reflexionen, die sich in Differenzen eröffnen. Dorthe Goeden arbeitet vorwiegend auf und mit Papier. In teils großformatigen Werken lotet sie die Grenzen von Material und Technik aus.

Philipp Hennevogl: Verselbständigung der Linie, die gleichwohl eingebunden bleibt in die technische Behandlung der Fläche; dies ist eines der Merkmale der zum Teil sehr großformatigen Arbeiten Philipp Hennevogls. Ausgangspunkt jedes Werks ist immer zunächst die Photographie, die dann in einen Linol- oder Holzschnitt transformiert wird. Anders als erwartet, führt dies jedoch nicht zu einem schlichten Realismus, sondern der Bezug zum Realen wird auf frappierende Art und Weise unterlaufen. […] Erzielt wird damit eine optische Simultanität, das Motiv wird in die Fläche gesetzt und damit dem räumlichen Kontext entzogen. Durch diese Technik werden überbordende Muster erzielt, Strukturen, serielle Flächen, mäandernde und florale Linien, die dem Motiv den Realismus austreiben. Zu sehen sind die großen Register der Kunstgeschichte: Stillleben, Portraits, Landschaften, Architekturen. Diese geraten zu Vexierbildern, in denen das Dargestellte zu oszillieren beginnt: zwischen Realismus und Abstraktion, zwischen Fläche und Linie. (Sabine Flach, Berlin 2008, Auszüge).

Galerie Maurer
Fahrgasse 5
60311 Frankfurt am Main

Tel.: +49) 069 900 256 40

Mi–Fr 13–18 Uhr
Sa 12–16 Uhr u.n.V.

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Geflecht

17.02.2025 – 01.03.2025
Heinrich Mauersberger
Galerie Leuenroth

Die Motive Heinrich Mauersbergers umfassen sowohl weite Landschaften und Stadtansichten als auch Innenräume, die leere Zimmer oder zwischenmenschliche Gesten in Nahaufnahme zeigen. Die zugrunde liegende malerische Auffassung gleicht dem Entdecken der Bildhaftigkeit alltäglicher Situationen, die im malerischen Prozess aufgehoben und entfaltet werden kann. Mauersbergers Malerei zeugt von einer wertschätzenden Annäherung an die Dinge, die das komplexe Verhältnis von Zeit, Wahrnehmung und Erinnerung für jedes Bild neu austariert. So f indet im Verlauf der Bildwerdung ein ständiges Abwägen statt und der künstlerische Eingriff bewegt sich zwischen Umschreibung und Kürzung. Viele Spuren dieser malerischen Auseinandersetzung bleiben erhalten und verbinden sich letztlich mit dem Motiv.

Diese Gleichzeitigkeit im gemalten Bild kommt auch durch räumliche Verschiebungen und Überlagerungen zum Ausdruck. So sind auf einem Gemälde im Dämmerlicht in unmittelbarer Nähe Gewässer und Bergkette, Straßenzug und Festzelt, Kirche und Wehrturm festgehalten. Fast gleicht diese Form der Seite eines malerischen Tagebucheintrags. Doch das Ansammeln von Sehenswürdigkeiten mit touristischem Blick liegt den Werken fern; die zentrale Figurengruppe unter antiken Bögen beispielsweise, deren Hintergrund durch ein tiefes Grün verschlossen ist, wird unscharf und tritt nicht posierend, sondern als unverstelltes Gegenüber auf.

Galerie Leuenroth
Fahrgasse 15
60311 Frankfurt am Main

Tel.: +49) 069 900 256 40

Mi–Fr 13–18 Uhr
Sa 12–16 Uhr u.n.V.

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Malerei | Fotografie | Bildhauerei

16.01.2025 – 05.03.2025
Gerd Winter, josef fischnaller, Matthias Will
Galerie Barbara von Stechow

Dieses Jahr feiert die Galerie Barbara von Stechow ihr 30-jähriges Jubiläum. Aus diesem Grund wurde sich als Einstieg in das neue Jahr für eine Ausstellung entschieden, welche die drei künstlerischen Medien miteinander vereint, die die Grundpfeiler der Galerie bilden.

Diese Ausstellung kombiniert die abstrakten und farbintensiven Werke des ehemaligen Städelschülers Gerd Winter mit den ausdrucksstarken, „spannenden“ und „angespannten“ Skulpturen von Matthias Will, ebenso ehemaliger Absolvent der Städelschule. Ergänzend hierzu schafft es Josef Fischnaller durch das Medium der Fotografie seine Werke so zu inszenieren, dass er eine Balance aus klassischer Komposition und moderner Staffage schafft. 

Galerie Barbara von Stechow
Feldbergstraße 28
60323 Frankfurt am Main

T. +49 69 72 22 44

Di – Fr 11–18 Uhr
Sa 11–16 Uhr
So – Mo geschlossen

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